Pintura flamenca

La pintura flamenca se inicia al mismo tiempo que el primer renacimiento en Italia, a mediados del siglo XV, en los Países Bajos y concretamente el reino de Flandes, región que se encuentra en una época de gran esplendor económico gracias a las relaciones comerciales que tienen con otros países cercanos.

En la edad media se inició una transformación política, social y económica en Europa que finaliza en el XV con la aparición de la burguesía y el desarrollo económico, asi como tambien aparecen los gremios formados por grupos de artesanos, donde los artistas encontraban un apoyo económico para realizar sus obras.
Fue hasta el final de la época que algunos autores comenzaron a firmar sus obras como Jan Van Eyck.

La burguesía y la Iglesia se enriquecieron convirtiéndose en los mayores impulsores del arte, ya que eran estos quienes encargaban sus obras a los pintores pertenecientes a los gremios.

La iglesia la utilizaba como medio para dar a conocer la religión entre la población analfabeta.
Las técnicas empleadas fueron evolucionando, en número de artistas se fue incrementando.

En cuanto al desarrollo de la pintura gótica en España encontramos que a mediados del siglo XV tiene relaciones comerciales con Flandes, donde se inician el desarrollo de la pintura flamenca. Fue en Castilla donde hubo una influencia determinante de pintores flamencos, como Jorge Inglés o Fernando Gállego.

La pintura flamenco aún conservaba rasgos del estilo gótico, técnicos, como el uso de la tabla en lugar del lienzo, y temáticos, sobre todo religiosos y espirituales. Sin embargo, su habilidad detallista e intereses les impulsaron a investigar y a descubrir de forma empírica la perspectiva, a perfeccionar la técnica del retrato y a reivindicar el paisaje como tema pictórico.

Se caracteriza por las miniaturas, sobre las cuales posee una excepcional calidad: el empleo de colores brillantes para la iluminación de las miniaturas. También el detallismo aplicado a estas pequeñas obras maestras.
La utilización del óleo por los flamencos en sus cuadros les permitía dar una mayor luminosidad y tratar con un gran realismo la imagen, así como una mayor gama cromática, de esta forma podían pintar con mucho más detallismo. Además Utilizaban pinturas fluidas y transparentes para sombrear delicadamente o para dar matiz al color del fondo.

Entre los temas que trataban, predomina la temática religiosa, se basan en temas de pasajes de la Biblia, se representan figuras de santos, escenas de la virgen María, etc. En una época en que la religión tiene una gran importancia en la sociedad, que gira entorno a ésta.

• Obras resaltantes de Van Eyck
  

O

La escuela de Atenas

Se trata de un fresco pintado por Rafael por encargo del papa Julio II. Éste deseaba ensalzar a través del arte la armonía entre la filosofía, los clásicos y la revelación de Jesucristo, la encarnación de la Verdad. La encarnación completa la Verdad, esa Verdad que busca la filosofía.

Se trata de una representación de los filósofos clásicos, en especial los griegos, alojados en un edificio abovedado, que simula un templo clásico, aunque no de época romana, sino más bien de tipo bramantesco. Es un espacio grandioso, de dimensiones colosales, donde cabe todo hombre. Hay una solemne arquitectura, porque la sabiduría griega es, en su totalidad, una construcción del pensamiento humano. Las personas son concebidas a escala de la arquitectura, monumentales. Hay sólo una perspectiva, a lo largo de un eje central: es la perspectiva racional, que corresponde a la “lógica” que, no siendo revelación, es la única guía de este pensamiento. Sin embargo, se sugieren las perspectivas de los cuerpos laterales: el esquema de este espacio, que debe plantearse como absoluto equilibrio de valores, es un esquema en cruz, como el de san Pedro de Bramante. Y pretende se un edificio “renacido”, del mismo modo que la sabiduría de los pensadores de la Antigüedad se ha visto “renacida” a través del pensamiento y de la doctrina cristiana.

Dentro de este templo clásico vemos dos hornacinas que contienen estatuas gigantescas. Una de ellas es Atenea, la diosa de la inteligencia, y la otra Apolo, dios de las artes y de la música. Estos dos dioses, que defienden el templo desde sus nichos, están acompañados de relieves. Debajo de Apolo el del rapto de las nereidas, una escena mitológica que representa a hombres desnudos raptando mujeres. El mensaje que Rafael pretendía transmitir con ello era que la inteligencia somete a los instintos.

En el centro de la composición vemos a Platón, con barbas, ya anciano, que contrasta con Aristóteles, en el apogeo de su fuerza corporal. Platón lleva el Timeo en una mano, mientras señala el cielo con la otra. Esto es porque su filosofía se centra en la idea, es más metafísica, quiere abarcar el cosmos.

 Sin embargo Aristóteles, que lleva la Ética, señala la Tierra con un bello escorzo, ya que su filosofía se basa en la observación de la naturaleza y del hombre mediante la razón. Pretende organizar el mundo con su pensamiento.Alrededor de estos dos maestros aparecen, bien en grupos o bien solos, diferentes personajes, que representan movimientos de la filosofía griega, árabe etc.Es interesante comentar que Rafael se ha atrevido a poner a los diferentes personajes rostros de hombres contemporáneos.

Rafael caracteriza los diferentes tipos de sabios, distingue con agudeza sus propios temperamentos y las mímicas designan también a veces la particularidad de sus enseñanzas. Es además admirable como consigue crear espacio mediante los diferentes personajes, no sólo con la masa, sino también con el color.

El juicio final

Tamaño: Es de enormes dimensiones - 13.70 x 12.20 metros - e incluye casi cuatrocientas figuras de las que se han identificado aproximadamente unas 50.


La zona superior de la composición, ocupando más de la mitad de la pared, está ocupada por el mundo celestial presidido por el Cristo juez en el centro de la escena, inicialmente desnudo y en una postura tremendamente escorzada, levantando el brazo derecho en señal de impartir justicia y cierto temor a los resucitados. A su lado hallamos a la Virgen María, rodeadas ambas figuras por un conjunto de santos, apóstoles y patriarcas que constituyen el primer grupo circular. A ambos lados de este grupo central encontramos a diferentes mártires, vírgenes, bienaventurados y Confesores de la Iglesia, formando una segunda corona.
En los lunetos superiores aparecen dos grupos de ángeles portando los símbolos de la Pasión: la corona de espinas, la cruz y la columna, ofreciéndonos las más variadas y escorzadas posturas, reforzando la sensación general de movimiento del trabajo. Miguel Angel quiso representar de esta manera la salvación de la humanidad a través de la llegada de Cristo en la parte más elevada de la pared. A los pies de Cristo se sitúan dos santos que ocupan un lugar privilegiado: San Lorenzo, portando la parrilla que le simboliza, y San Bartolomé con una piel que alude a su martirio, apreciándose en su rostro un autorretrato del pintor.


En la zona intermedia podemos encontrar 3 grupos:

• En la izquierda a los juzgados que ascienden al Cielo
• En la parte contraria se ubican los condenados que caen al Infierno,
• ocupando los ángeles trompeteros el centro para despertar a los muertos de la zona inferior que se desarrolla en el espacio izquierdo de este último tramo.

En la zona inferior derecha hallamos el traslado de los muertos en la barca de Caronte ante el juez infernal Minos - la figura de la esquina con serpientes enrolladas alrededor de su cuerpo - y la boca de Leviatán. La escena se desarrolla sin ninguna referencia arquitectónica ni elemento de referencia, emergiendo las figuras de un azulado cielo donde flotan con una energía y seguridad difícilmente igualable.


Son numerosas las referencias y fuentes en las que Miguel Ángel se inspiró según aluden los especialistas. Estatuas clásicas, figuras ya utilizadas en el cartón de la Batalla de Cascina, los frescos de Luca Signorelli en la catedral de Orvieto e incluso El Bosco. En el aspecto literario parece seguro el empleo de tres fuentes: la "Divina Comedia" de Dante, la bíblica Visión de Ezequiel y el Apocalipsis de San Juan.

Las Madonnas de Da Vinci...

La Virgen de las Rocas, obra de Leonardo Da Vinci, consiste en dos cuadros pintados con la misma técnica de óleo sobre lienzo; sin embargo poseen pequeños cambios en su composición que han sido motivo de controversias y debates entre críticos e investigadores. La primera versión se encuentra en el Museo del Louvre en París, la cual es concebida como la original por distintas razones a nivel de técnica e incluso significado; por otro lado, hay otra versión expuesta en la National Gallery de Londres. Ambas fueron parte de un contrato realizado por los hermanos de Predis (Evangelista y Giovanni Ambrogio) y Bartolomeo Scorione, prior de la Confraternidad milanessa de la Inmaculada Concepción; para colocar un retablo en la capilla de la iglesia de San Francesco Grande. Dicho contrato estipulaba que se debían crear tres pinturas representando en la tabla central a la Virgen, el niño Jesús, y dos profetas y ángeles; además de las otras dos que debían retratar a cuatro ángeles, cantores y músicos, dentro del plazo entre 1483 y 1485. Para esto se recurrió a Da Vinci.

La del Louvre es considerada como la original porque se acerca más al estilo de un Leonardo en los 1480´s, aparte, la versión de Londres, según algunos expertos, podría no haber sido enteramente una obra de Da Vinci, ya que obligado por el contrato debía terminar su trabajo y pudo no haber tomado mucha iniciativa o verse envuelto en esa pintura, recibiendo ayuda de los hermanos Predis. Esta última es contemplada como una obra mucho más madura propia de los años 1500, lo que valida en cierta forma esas especulaciones. La geóloga Ann Pizzorusso, cuestiona ciertos errores geológicos que considera inusuales en Leonardo y duda sean propios.

La Virgen de las Rocas- "La Vierge aux Rochers"- Museo del Louvre, París

En esta versión observamos una imagen más amplia al principio pero está más enfocada en los personajes que en el cuadro entero, más abajo se encuentra la pintura completa. Podemos apreciar detalles más de cerca, y se nos muestra enmarcada en un tipo de arco de medio punto. La temática es la inmaculada concepción, dando la idea de que Jesús fue concebido por obra de la gracia del espíritu santo, es por eso que notamos que la Virgen está representada con rasgos muy delicados y agraciados, incluso parece una niña. Los trazos, el movimiento, son sutiles y esto se logra con la técnica del sfumato, que deshace los contornos, fundiendo el ambiente y creando misterio. La precisión del dibujo se ve claramente en la disposición de las plantas y su acabado. El claroscuro está muy bien trabajado y la utilización de colores permite una mayor profundidad y contraste con los personajes. Observamos a la Virgen en el centro, que apoya su mano derecha sobre Juan el Bautista, vemos al ángel Uriel y más abajo al niño Jesús. Vemos que las figuras forman una pirámide, propio de su estilo y que están rodeados por un paisaje natural.

La Virgen de las Rocas - National Gallery, Londres

En la versión londinense, vemos la misma disposición de los personajes; sin embargo hay pequeños pero sustanciales detalles variantes. En primer lugar notamos la presencia de halos sobre María y una vara cruciforme en la mano de Juan. Además vemos que el ángel mira a Jesús y no hace ninguna seña a Juan (como en la del Louvre, que también mira ligeramente al espectador) y tampoco vemos esa sutil sonrisa. La representación tanto en la primera como en esta, simboliza la bendición que le da el niño Jesús a Juan, y éste a su vez junta las manos como orando. Si bien se ha logrado el claroscuro en la primera, vemos que en ésta las sombras son más duras, al igual que los reflejos, los tonos son más azules e incluso pareciera que fuera más luz de luna. Las plantas no están tan bien trabajadas de acuerdo al trazo del dibujo como en la otra. Se cree que estas modificaciones se deben a que la primera versión, considerada la original, confundía en cuanto a la distinción de los dos niños, ya que la virgen acaricia a Juan, y el ángel lo señala y mira; dándole más importancia y generando dudas al espectador.

En el 2005 se reveló gracias al infrarrojo, que existía una doble pintura debajo de esta segunda versión, en la que se encontraba la Virgen arrodillada sosteniendo al niño; lo que llevó a pensar que tal vez la intención del artista era pintar una Adoración al niño.

• Sandro Botticelli (Italia, 1445-1510)

Su verdadero nombre era Alessandro di Mariano Filipepi. Fue uno de los pintores más destacados del renacimiento florentino, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus líneas. Botticelli, hijo de un curtidor, nació en Florencia. El nombre por el que se le conoce (diminutivo italiano de la palabra botijo) era probablemente el apodo de su hermano mayor o el nombre del orfebre del que fuera aprendiz. Más tarde fue discípulo de Fra Filippo Lippi y tuvo influencias de Antonio del Pollaiuolo y Andrea del Verrocchio. Hacia 1470 Botticelli ya tenía su propio taller. Dedicó casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas, especialmente los Médicis, para los que pintó retratos, entre los que destaca su Retrato de Giuliano de Medici.

- Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476, Galería Nacional del Arte, Washington D.C)

Como integrante del brillante círculo intelectual y artístico de la corte de Lorenzo de Médicis, Botticelli recibió la influencia del neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas. Esa síntesis se expresa en La primavera y en El nacimiento de Venus.

La primavera
(c. 1478)

El nacimiento de Venus

En 1481 fue uno de los artistas llamados a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo.
En la década de 1490, cuando los Médicis fueron expulsados de Florencia y el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, Botticelli sufrió una crisis religiosa, donde moriría el 17 de mayo de 1510.

Sus obras posteriores, como la Pietá y sobre todo la Natividad mística y la Crucifixión mística expresan una intensa devoción religiosa, y un retroceso en el desarrollo de su estilo.

El Arte en el Renacimiento

En este video se da una mirada general a la etapa del renacimiento, el cual se pordujo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Asimismo, se hace enfasis en las caracteristicas de este movimiento y la influencia que tuvo en la pintura, escultura, literatura y arquitectura. Como se muestra en el video el renacimiento tuvo tres etapas en las que se fue desarrollando y en las cuales surgieron reconocidos representantes como es el caso de Miguel Angel, da Vinci, Rafael Sanzio, Sandro Botticelli y Donato Bramante.

Las principales carateristicas se da en que el artista toma conciencia de individuo y se dio mas importancia al hombre, apoyandose en la corriente filosófica del humanismo. Asi, se realizaron diversas investigaciones sobre la anatomia humana, lo cual se ve representado en las esculturas más famosas, como la de Miguel Angel, pero también en la pintura la cual va cobrando mas realismo y centra sus representaciones en el ser humano, sobre todo en la belleza femenina. En cuanto a la arquitectura, el renacimiento se va a destacar por la cupúla en sus construcciones, por ejemplo, del Templete de San Pietro in Montorio, obra de Donato Bramante.

Concepto de Renacimiento

Se denomina Renacimiento al periodo de la historia europea, caracterizada por un renovado interéspor el pasado grecorromano clásico y especialmente por su arte. Con el Renacimiento, el hombre centra toda su actividad, en el hombre como tal, es decir después de la inconsciencia medieval el hombre piensa ahora con una libertad de espíritu, que lo conducirá a la libertad de pensamiento, el culto a la vida y el amor a la naturaleza son otros aspectos importantes, además el Renacimiento estableció como fuentes de inspiración el equilibrio y la serenidad. Pero lo más característico de esta época es la separación entre lo cívico y lo religioso.

 Origenes del Renacimiento

El renacimiento tuvo su origen en Italia en los siglos XIV y XV, llegando a su apogeo al iniciarse el siglo XVI. De Italia se extiende lentamente por Europa excepto Rusia. A lo largo de los cincuenta años que van desde 1520 a 1570, discurre la madura plenitud del Renacimiento y también se percibe su ocaso. Toda la Europa de Occidente toma parte ahora en el movimiento de las artes y de las letras. La recepción de los gustos italianos se generaliza, los grandes maestros surgen ya no solo en Italia, sino en todo el ámbito de las monarquías occidentales.


Pero el desarrollo normal de la cultura renacentista se ve afectada por el hecho simultaneo de las luchas religiosas derivadas de la revolución protestante. Así, en Alemania, se corto el brote renacentista, al igual que en Francia con las guerrasciviles de la segunda mitad de quinientos. Además en los países adheridos a las confesiones protestantes, el credo iconoclasta de los nuevos evangelios suprimió la ocasión de ejercitar el mecenazgo eclesiástico y, al menos en la pintura y la escultura, suprimió la temática abundante de los motivos iconográficos, con la rara salvedad de los temas bíblicos.

Principales Artistas

• Sandro Botticelli
• Leonardo Da Vinci
• Miguel Angel Buonarroti

Notas sobre pintura Gótica

La pintura gótica, a diferencia de la románica, va a mostrar mucha más expresividad en sus trabajos. Si bien antes era plana, rígida e irreal en su mayoría de casos; en este nuevo estilo no sólo va a jugar con nuevos elementos, si no también los conceptos y mensajes representados van a cambiar considerablemente. Por ejemplo, en el caso de la representación de santos, ángeles e incluso del mismo Cristo, ahora éstas imágenes van a cobrar vida, por así decirlo, y se van a hacer más humanas. Se va a permitir que demuestren emociones y sentimientos, ya sea gracia, ternura, dolor, placer, etc; antes impensables en la pintura Románica. Esto se debe a las nuevas corrientes filosóficas que surgieron y que en cierta forma rompieron con las antiguas normas y preceptos del arte Bizantino. Buscando así, nuevas inspiraciones y teniendo más libertad, claro que aún se utilizaba el arte para catolizar y enseñar pasajes bíblicos que pueden ser apreciados en muchas pinturas, esculturas, etc. Se forjó entonces y se dio inicio al antropocentrismo.

Algunas características generales son:

-Las técnicas de pintura sobre tablas, pintura mural, vidrieras y miniaturas.

-La delimitación de formas en el dibujo desde tonos planos hasta contraluces.

-Las nuevas gamas de color, en especial colores más vivos.

-La perspectiva y expresividad.

-La composición es consciente del eje de simetría.

-Finalidad didáctica en cuanto a la religión.

"Llanto sobre el cuerpo de Cristo"

Pintura mural de Giotto.

En esta pintura mural observamos la expresión de dolor de un ángel.

"Madonna con ángeles y San Francisco"

Pintura al fresco de Cimabue.

En este fresco observamos a San Francisco rodeado por ángeles y vemos cómo cada uno de ellos denotan expresiones diferentes, además muestran elementos del gótico como el uso de colores, los trazos mucho más reales y semejantes al de un hombre.

Escolástica y Gótico ¿cuál es su relación?

Según el libro "La arquitectura gótica y escolástica" de Edwin Panofsky, uno de los mejores historiadores del arte, nos dice que :

“Al igual que la Summa de la alta escolástica, la catedral del gótico clásico apuntaba ante todo hacia la totalidad. Por ello, tendía a aproximarse mediante la síntesis y la eliminación a una solución que fuese perfecta y final. Podemos por tanto hablar del plan del gótico pleno o de su sistema con mucha más propiedad de la que sería posible en cualquier otro período”.

Al igual que la escolástica trató de alcanzar y sintetizar todos los saberes, la catedral gótica se nos muestra como un intento de materializar en su imaginería la totalidad del conocimiento cristiano; fuera teológico, moral, natural e histórico. Por eso:

“De un modo similar, su diseño estructural trataba de sintetizar los motivos más importantes provenientes de cauces diferentes, lo que finalmente le llevó a alcanzar un equilibrio sin paralelo”.

Esta analogía, entre la escolástica y la arquitectura gótica, no es accidental ni casual. El autor propone que en la medida que la escolástica tomista perdió su ímpetu creador y se vulgarizó o sustituyó por otras escuelas, el arte gótico fue sustituido por tendencias menos sistemáticas.

Ambos responden al mismo “hábito mental”, es decir, responden a unas ideas rectoras de la cultura que impregnan todas sus manifestaciones. Durante la alta Edad Media, la escolástica latina transforma radicalmente la cosmovisión naturalista griega de la que era deudora. Los escolásticos representan el universo como una entidad de carácter divino evidente en sí misma, por lo tanto, inalterable y absoluta. Los filósofos escolásticos no pretendieron construir nuevas teorías sobre la naturaleza de las cosas a partir de la investigación o de conocimientos acumulados, sino explicar las nociones aceptadas por la física de la época desde la óptica de la tradición religiosa, considerada como valor absoluto. En la práctica de la arquitectura llevó a sublimar sus aspectos teóricos. No interesa el conocimiento técnico sino las leyes absolutas (divinas) en las que éste debe conformarse. Por ello el constructor medieval, al igual que el filósofo no pretendía crear formas nuevas ni ser original. Las analogías entre la arquitectura y la escolástica son: claridad, totalidad, homologación de las partes, aceptación y reconciliación de posibilidades contradictorias y principios retóricos. De lo manifestativo a la transparencia, de la concordancia a la reconciliación entre lo contradictorio y la diferencia razón-fe a espacio exterior-volumen interior.

Vitrales

Ejemplo de Vitral - Rosetón

Interior de Basílica Saint Denis

Rosetón

Video acerca de la Catedral de Chartres:

http://www.youtube.com/watch?v=N6_J90Zz5vs

Arte en Vitral

El espacio gótico es luminoso y presenta gran variedad de colores, a diferencia de la penumbra y sobriedad románica. Además del uso del arco ojival, la bóveda de crucería y los arbotantes (permitieron contar con paredes altas) el arte gótico reinventó en cierta forma los vitrales, que ya existían en los templos románicos pero que llegaron a un nuevo nivel en la arquitectura gótica.

Llamamos a un vitral o vitró, a la composición elaborada con vidrios de colores pintados o recubiertos con esmaltes, ensamblados mediante varillas de plomo. Estos sustituyen a la pintura mural que se había desarrollado ampliamente durante el periodo románico, convirtiéndose así en el arte hegemónico del color y del dibujo, toma las funciones simbólico-docentes de la pintura mural con sus completos programas iconográficos que hicieron converger a la mayor parte de los talleres y centros artísticos europeos, principalmente de Francia.

El arte de los Vitrales domina sobre las demás técnicas de pintura a las que impone sus leyes como la composición enmarcada en medallones, nichos u otros compartimentos, los colores vivos y saturados, las formas delimitadas y precisas. Estas son pautas estéticas que hallamos también en las ilustraciones de libros y miniaturas difundidas en Europa, a excepción de Italia, donde la tradición muralista no se había interrumpido desde la antigüedad. Sus temas son tomados del Antiguo y Nuevo Testamento, las historias de la Virgen María y de los santos así como las representaciones de las actividades gremiales o escenas de la vida cotidiana, las cuales, progresivamente suben también a lo alto de los vitrales de las catedrales.

Al avanzar el estilo se modificó la técnica con una nueva gama de color basada en los fondos incoloros o grises, en los tonos quebrados y los temas más humanizados. La invención del color amarillo de plata llevará al arte de los vitrales, durante el siglo XIV, a un preciosismo dorado y a una ligereza que constituye su culminación.

Elementos de la arquitectura gótica

COLUMNA : Elemento arquitectónico vertical de forma circular, constituido en general por base, fuste y capitel.

PILAR : Elemento arquitectónico de sostén, generalmente de sección poligonal y mayor robutez que la columna. En la arquitectura gótica es frecuente el pilar fasciculado, es decir, el pilar rodeado de un haz de molduras cilíndricas a modo de tallo. Se diferencia de la columna por su forma cuadricular.

COLUMNILLA : Son pequeñas columnas que van adosadas alrededor del núcleo se corresponden con los arcos y nervios de las bóvedas, cada una con el suyo, según el principio seguido en el estilo románico de que debe corresponder a cada pieza sostenida su propio sostén o soporte.

PILASTRA : Es un pilar o columna adosado a un muro o pared. Su función puede ser estructural, sosteniendo techo, tejado, entablamento, moldura, o meramente decorativa. La pilastra suele estar compuesta de los mismos elementos constructivos que las columnas o pilares, como son basa, fuste y capitel, según los diferentes órdenes arquitectónicos.

Antes y despues del gótico

En la actualidad la noción de lo que se refiere la palabra "gótico" se ha perdido con el pasar de los siglos. Por lo que haremos un pequeño viaje en el tiempo recordando en donde se originó esta corriente o estilo.

Indagando sobre su origen, se ha registrado que se originó en los últimos años de la Edad Media, coincidiendo en su plenitud y crisis que la caracterizó. Se desarrollo en Europa Occidental desde mediados del siglo XII hasta la llegada del Renacimiento.

A diferencia del arte románico, el gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las ordenes religiosas, así como también acentuaciones de conflictos y la disidencia.

Una de las características del arte gótico era que elevaba prodigiosas catedrales llenándolas de luz con sus grandes y alargadas ventanas de un arco puntado, y también a los enormes vitrales y rosetones como los de las Basílicas de Saint-Denis, haciéndole frente a las pequeñas y oscuras iglesias del románico. No obstante, el predominio del tema religioso en el arte seguía siendo indiscutible.

En esta etapa es donde nace un humanismo tanto en la arquitectura como en su escultura, este hecho esta relacionado con la divulgación de la corrientes filosóficas neoplatónicas, que establecen una vinculación con el concepto de Dios y el ámbito de la luz. La luz conformará el nuevo espacio gótico, será una luz general y difusa, no concentrada como si de focos se tratase, sino de una luz trasfigurada y coloreada mediante el juego de los vitrales y rosetones que transforman en lugar en irreal y simbólico. Esta luz es entendida como la sublemación de la realidad, la aproximación mas cercana a la forma pura (según la escuela de Chartes).

En cuanto a la escultura pasó de ser rígido a ser más alargada y tener mas sentimiento espacial y naturalista, al igual que las pinturas pertenecientes a este estilo. Las pinturas góticas cobraron mayor realismo, aproximándose a la imitación de la naturaleza y tendiendo a aproximar la representación de los personajes religiosos (santos, ángeles, la Virgen María, etc.) a un plano más humano que divino, mostrando diferentes emociones, desde el placer a el enojo, rompiendo con el formalismo románico.

Sin embargo, luego de pasados los años, la connotación del concepto "gótico" se ha llevado a otro sentido en comparación a lo que se tenía entendido siglos pasados. Hoy en día el concepto de lo gótico se enlaza con lo equivalente a siniestro o morboso que se establece a partir de la revitalización del medievalismo en la época romántica.

A finales de los años 70 existían bandas de post-punk en el Reino Unido catalogadas como góticas llegando a ser un movimiento subcultural que se extendió, posteriormente, hacia otros países. Su estética e inclinaciones son principalmente provenientes de la influencias de la literatura y cine del terror y (en algunas ocasiones) de la cultura BDMS*.

Los miembros de esta subcultura comparten gustos estéticos y musicales, compartiendo una tendencia hacia una apariencia con mucho maquillaje y asentuación de la palidez en el rostro y un sonido dark. Muchos de los estilos utilizados son el punk o el estilo andrógino, asi como tambiñen vestimenta del Renacimiento o de la época victoriana; sin embargo, no todos siguen aquel patrón.

Los orígenes del termino también se remiten al termino "godo" que era una tribu al este de Alemania que tuvo un importante papel en la caída del imperio romano y que en algunos círculos se convirtió como sinónimo de "bárbaro". De ahí y con el aporte de Horace Walpole son su publicación de su libro "El Castillo de Otranto" en la literatura del terror, el termino también se asocia con lo sobrenatural.

Hoy en día, mayormente en Latinoamerica, las personas tienden a confundir lo gótico con lo dark. Las mismas suelen tergiversar la palabra o tan solo adquieren el look sin tan solo saber sobre aquello con el propósito de llamar la atención o tener una pose suicida. Otros suelen sentirse ofendidos por el simple hecho de ser etiquetados por usar ropa negra y otros tan solo adaptan el termino a su forma de vida, olvidando los posibles patrones a seguir.

De cualquier manera, el estilo del arte gótico perdurará en las grandes catedrales en Europa, como las de Francia e Italia para que puedan ser apreciadas y estudiadas y el estilo característico de aquellos años; por otro lado, la moda gótica o estilo de vida gótico adaptada por la personas, también seguirá en vigencia con diferentes exponentes de grupos musicales que, de cierta manera, seguirán teniendo influencia con el pasar de los años.

* BDSM: Bondage, Disciplina/Dominación, Sadomasoquismo, Masoquismo.